Le malin plaisir que l’on ressent lorsque le·a participant·e le·a plus détesté·e est éliminé·e de notre télé-réalité préférée est sans doute un sentiment dont on est tous·tes coupables. La fascination pour les séries de télé-réalité est flagrante : en 2015, ce sont 750 télé-réalités qui étaient diffusées aux États-Unis. Pourtant, la popularité de la télé-réalité est proprement contradictoire, puisque tous et toutes s’entendent, du moins en principe, sur le fait que la télé-réalité n’est justement pas une représentation fidèle de la réalité. Serions-nous captif·ve·s de notre volonté primaire de se moquer d’autrui ? Je ne doute pas que plus d’une personne ressente un certain plaisir à voir des individus épris d’eux-mêmes, et dont les égos sembleraient gonflés par la présence des caméras, souffrir l’humiliation de situations plus ou moins ordinaires. La Schadenfreude, un mot allemand désignant la « joie malsaine que l’on éprouve en observant le malheur d’autrui », serait-elle au cœur de l’intérêt populaire pour la télé-réalité ?
« Serions-nous captif·ve·s de notre volonté primaire de se moquer d’autrui ? »
Bien que le concept de joie malsaine puisse paraître comme la source du charme de ce genre télévisuel, les téléspectateur·rice·s de télé-réalité et des chercheur·se·s seraient en désaccord avec cette proposition. Selon Katherine Sender, professeure à l’Université de Cornell et autrice du livre The Makeover : Reality Television and Reflexive Audiences, la Schadenfreude ne peut rendre compte de toute l’histoire de ce genre. Au terme de l’observation et du questionnement de plusieurs candidat·e·s qui auraient visionné certaines scènes de télé-réalité, la Pre Sender infère l’idée que les téléspectateur·rice·s seraient plutôt sympathiques envers les participant·e·s des émissions. Selon l’étude de Sender, lorsque des situations gênantes sont télévisées, les téléspectateur·rice·s éprouvent non pas un plaisir malicieux, mais un sentiment de mépris envers ce qu’il·elle·s identifient comme la tendance à l’exploitation abusive de la production. Ainsi s’efface la conception de la Schadenfreude comme force de captivation de la télé-réalité, et l’horizon de la pertinence et de l’intérêt de ce genre s’élargit.
Aperçu de la télé-réalité
Le genre de la télé-réalité est le plus souvent associé à des émissions dont les thèmes centraux sont le drame et l’amour. La recherche de son « âme sœur » ou de « l’amour de sa vie » est l’objectif prédominant de ce type d’émissions. Au Québec, Occupation Double, qui se veut le délice des cégépien·ne·s, incarne le mieux ce stéréotype. En France, on pourrait parler des Anges de la téléréalité, ou bien du Bachelor chez nos voisin·e·s du sud. La télé-réalité n’est pourtant pas limitée aux émissions de ce type, et vous aurez sans doute en tête bon nombre d’exemples de séries qu’on pourrait qualifier de télé-réalités et dont les caractéristiques diffèrent amplement des émissions mentionnées précédemment. Survivor, Cops, Star Académie, ou même l’illustre série Keeping up with the Kardashians, lorsqu’on les compare avec les premières émissions mentionnées, sont dans leurs principes des émissions vastement distinctes. Ces émissions n’ont plus comme élément central l’amour, mais plutôt la survie sur une île (Survivor), le quotidien de policier·ère·s (Cops), une compétition de chant (Star Académie) ou la vie de riches Américain·e·s.
« La séparation d’une représentation fidèle de la réalité apparaît davantage à ce moment »
La façon de conceptualiser la télé-réalité est donc un défi avec lequel Dre Misha Kavka de l’Université d’Amsterdam a du mal : « Les émissions qui entrent dans le cadre de la télé-réalité sont si différentes les unes des autres qu’elles rendent toute définition très floue. Cela pose bien sûr des problèmes pour revendiquer son statut de genre télévisuel singulier (tdlr) ». Dans son livre Reality TV, la Dre Kavka propose trois grandes ères qui auraient formé la télé-réalité telle que nous la connaissons.
La première période de la télé-réalité puiserait son inspiration dans le documentaire. En effet, les premières itérations de la télé-réalité ont tendance à brouiller les frontières entre les genres. Leurs sujets étaient la mondanité et les interactions routinières et semblaient mieux se conformer à l’étiquette de télé-réalité. « Ces premières émissions de télé-réalité ont cherché à produire du divertissement à partir des banalités de la réalité », conclut la Dre Kavka. Ces émissions différaient toutefois du documentaire en ce qu’elles consistaient non pas à informer l’auditoire, mais plutôt à divertir les téléspectateur·rice·s en s’appuyant sur des personnalités pittoresques et des conflits interpersonnels. La séparation d’une représentation fidèle de la réalité apparaît davantage à ce moment, sans pour autant que les situations ou les personnes figurantes ne soient considérées comme « artificielles » par les téléspectateur·rice·s. C’est avec l’arrivée des émissions Survivor et Big Brother dans le début des années 2000 que Dre Kavka détermine la transformation de la télé-réalité vers une nouvelle et deuxième ère. L’artifice prend alors un rôle plus important : l’environnement des participant·e·s n’est plus de l’ordre de l’ordinaire ou du banal, mais est plutôt constitué de circonstances fabriquées dans le but de promouvoir le divertissement par les conflits interpersonnels. À titre d’exemple, Survivor est une émission qui largue les participants sur une île tropicale sauvage. Un élément central de l’artificialité de l’environnement est la compétition qui y est introduite. Les tensions y sont exacerbées par l’affrontement des intérêts des participant·e·s. On trouve dans ces émissions un élément dont l’objet sera repris par de nombreuses séries et documentaires, soit l’expérimentation sociale. Shattered, dont la prémisse consiste à rassembler dix concurrent·e·s et de récompenser la personne qui saura rester éveillée le plus longtemps, est l’une de ces émissions qui représente bien la télé-réalité de la deuxième ère. La série Shattered, qui n’a duré qu’un an, se distingue des télé-réalités actuelles, celles de la troisième ère, par le caractère de ses participant·e·s. La Dre Kavka décrit cette ère comme n’étant plus tournée vers des sujets ordinaires, mais plutôt vers « la fabrication de la célébrité à partir du quotidien (tdlr) ». Les participant·e·s sont conscient·e·s que leur présence est télévisée, et également conscient·e·s de la célébrité que peut leur apporter cette opportunité. En conséquence, il·elle·s n’agissent plus comme des personnes « ordinaires », mais cherchent plutôt à plaire aux téléspectateur·rice·s dans l’espoir d’être propulsé·e·s vers la célébrité. « Célèbre parce qu’elle est célèbre », la famille Kardashian serait le porte-étendard de ce phénomène qui sévit au sein de la télé-réalité de troisième génération. Le but de participer à l’émission n’est plus nécessairement de gagner une prime, mais bien de se démarquer pour décrocher un contrat pour une compagnie de shampoing.
« Le but de participer à l’émission n’est plus nécessairement de gagner une prime, mais bien de se démarquer pour décrocher un contrat pour une compagnie de shampoing »
Le changement qui s’opère en cette troisième ère est intéressant parce qu’il n’est pas orchestré par les réalisateur·rice·s des émissions. Alors que le changement de la première à la deuxième ère est issu de l’imposition de nouvelles règles et d’artifices, celui de la troisième ère provient des participant·e·s, et particulièrement d’une culture qui récompense parfois l’extravagance par la célébrité.
Télé-réalité et culture
Un peu à l’image de la pilule placebo, qui produit des effets alors même qu’on sait qu’elle n’est que placebo, notre consommation de la télé-réalité, même si nous savons qu’elle ne représente pas fidèlement la réalité, façonne notre culture. Particulièrement en ce qui concerne la culture personnelle et partagée, on peut remarquer les différents impacts de ce genre. Un premier aspect de l’impact de la télé-réalité sur la culture serait l’image qu’elle peint de certains milieux sociaux. Certaines émissions de la première ère sont encore et toujours diffusées et tendent vers une certaine authenticité. C’est le cas de Cops, une émission qui suit des policier·ère·s aux États-Unis au travers de leurs journées. Le visionnement d’une émission comme celle-ci expose une certaine réalité des policier·ère·s américain·e·s et forme donc la perception des téléspectateur·rice·s par rapport à cette réalité. L’artifice, bien qu’il ne soit pas aussi perceptible que dans d’autres télé-réalités, réside toujours dans ces émissions en considérant la volonté des spectateur·rice·s. En effet, le·a réalisateur·rice n’a aucun intérêt à exposer les moments les plus routiniers de l’occupation policière, comme l’attribution d’une infraction mineure. La connaissance de l’artificialité de l’image transmise n’empêche pas non plus son effet. À défaut de connaître une réalité plus saillante de l’expérience des policier·ère·s américain·e·s, la représentation que l’on a de leur métier puise au sein même des codes de la télé-réalité. Le même argument pourrait être avancé pour des télé-réalités d’autres ères. Ne connaissant Calabasas qu’au travers de l’image projetée de cet arrondissement dans Keeping up with the Kardashians, à quelle autre image un individu doit-il faire appel lorsqu’est évoqué ce lieu ?
« Les participant·e·s sont conscient·e·s que leur présence est télévisée, et également conscient·e·s de la célébrité que peut leur apporter cette opportunité »
Un autre impact culturel qu’aura la diffusion de ce genre d’émissions, c’est que la télé-réalité se veut un excellent véhicule pour des stéréotypes populaires. Un exemple donné par Kristen Warner, de l’Université de l’Alabama, est la représentation de la femme noire dans plusieurs télé-réalités du début des années 2000. Ces séries auraient choisi de mettre de l’avant certaines images qui consolident les stéréotypes de la femme noire en la plaçant dans l’une des trois catégories suivantes : « la mère, la “femme noire en colère” et l’épouse ou la petite amie sexualisée (tdlr) ». Par le choix de mise en scène des figurant·e·s dans une série donnée, le·a réalisateur·rice sélectionne certaines images et, dans le cas du début des années 2000, il·elle fait aussi le choix de télédiffuser des stéréotypes néfastes. La télé-réalité, comme la plupart des médias, reste toutefois un outil qui peut servir à affaiblir ces stéréotypes en fonction du type de réalisation choisie. À titre d’exemple, Queer Eye est une série qui tente de s’affranchir de certains préjugés associés à la communauté LGBTQ+. Queer Eye est à son essence une émission de transformation dans laquelle les stylistes s’identifient tous·tes comme « queer ». Ce sont les nuances illustrées entre les différent·e·s stylistes qui contribuent à déconstruire les stéréotypes associés aux personnes de cette communauté. Bien que certain·e·s aient toutefois critiqué l’émission pour avoir conservé certains traits stéréotypés, sa présentation de réalités « queer » multiples et différentes est un exemple de l’ouverture que peut amener la télé-réalité.
« La consommation de situations et d’attitudes sociales, même si elles ne sont qu’artificielles, n’est pas sans rapport avec la culture de masse »
La nature « sociale » de la télé-réalité influence aussi les comportements sociaux. Les relations entre les individus sont un aspect essentiel de ce genre qui, comme mentionné précédemment, divertit les téléspectateur·rice·s en s’appuyant sur les personnalités et les conflits interpersonnels. La consommation de situations et d’attitudes sociales, même si elles ne sont qu’artificielles, n’est pas sans rapport avec la culture de masse. Les tensions entre les participant·e·s, les manières dont il·elle·s se parlent et dont il·elle·s réagissent et les motifs de leurs gestes – qui sont souvent expliqués à l’auditoire – sont tous des éléments qui influencent la perception des téléspectateur·rice·s quant aux rapports sociaux. Lorsqu’une personne est éliminée de l’émission par le vote des autres participant·e·s, on comprend que la manière dont cette personne a agi n’a pas plu aux autres, ou encore qu’il s’agit d’un vote stratégique pour se débarrasser d’un·e concurrent·e. Que le·a téléspectateur·rice soit en accord ou pas avec l’attitude des figurant·e·s, il·elle est nécessairement influencé·e par la perception et le jugement des autres figurant·e·s sur le plateau.
« La télé-réalité reprend les mêmes archétypes et paraboles déjà présentes dans des mythes et légendes ; elle les adapte et les modifie pour les incarner à travers les figurant·e·s dans leurs émissions »
L’arrivée des réseaux sociaux au milieu des années 2000 et leur croissance au cours des 15 dernières années ont permis à la télé-réalité de renforcer son impact sur nos comportements. Les nombreux commentaires et publications sur Twitter en réaction à tel ou tel épisode alimentent non seulement l’engouement pour une série, mais servent également de jugement populaire quant aux attitudes ou aux comportements qui y sont montrés. La médiatisation des interactions au sein des télé-réalités est dorénavant sujette au consensus des réseaux sociaux et le jugement se fait de manière d’autant plus marqué s’il est appuyé par des millions d’autres téléspectateur·rice·s.
La télé-réalité comme stratégie narrative
L’introduction d’un environnement artificiellement compétitif au sein de la télé-réalité amène de nouvelles possibilités. La production va par exemple exploiter les personnalités respectives des participant·e·s afin de construire des schémas narratifs qui vont dans leur sens. Une histoire ou un récit au terme duquel les participant·e·s se verront accompli·e·s est la stratégie narrative qu’adopteront une grande majorité des productions.
« La télé-réalité, par le reflet qu’elle dépeint de la société, exacerbe notre tendance à l’auto-représentation, c’est-à-dire la volonté de vouloir se donner en spectacle »
Le défi est une partie intégrale du genre, qu’il se présente dans le cadre d’une compétition entre figurant·e·s comme dans Survivor, ou même au sein des émissions où le·a participant·e cherche l’amour de sa vie. La progression de l’individu alors qu’il affronte les épreuves le séparant de son objectif, aussi banal qu’il soit, est souvent accompagné d’une voix hors champ rehaussée par une trame sonore épique. La Pre Sender remarque qu’une technique narrative est particulièrement chérie par les réalisateur·rice·s de télé-réalité : le récit de « l’histoire rédemptrice de la honte au salut (tdlr) ». C’est par son mélange d’émotions tant négatives que positives, au travers des hauts et des bas d’un·e participant·e, allant de ses humbles origines à son triomphe, que la télé-réalité inspire son auditoire. Les séries de télé-réalité « musicales » ou de « spectacle de talents » comme La Voix ou America’s Got Talent sont d’excellents exemples d’émissions qui mettent à profit la rédemption des participant·e·s. Ces séries présentent souvent leurs participant·e·s de manière humble et ordinaire, parfois presque honteuse, afin que leur prestation inattendue soit encore plus extraordinaire et magique. C’est le retournement de situation soudain qui fait de la rédemption un récit si touchant.
« La frontière entre réalité et télé-réalité s’amincit à mesure que chacun·e a la possibilité de devenir le·a réalisateur·rice de sa propre réalité »
La rédemption comme outil narratif pour évoquer le pathos du public est pourtant loin d’être l’invention de la télé-réalité. En tombant dans le cliché, on pourrait même dire que c’est un procédé qui « existe depuis la nuit des temps ». La télé-réalité reprend les mêmes archétypes et paraboles déjà présentes dans des mythes et légendes ; elle les adapte et les modifie pour les incarner à travers les figurant·e·s dans leurs émissions. La particularité de l’efficacité de son utilisation au travers de la télé-réalité réside dans la proximité de cette rédemption. En présentant des figurant·e·s qui nous sont proches pour la plupart, notre affinité avec eux·lles rend leur transformation plus vibrante et inspirante. La consommation d’une grande quantité de télé-réalités narratives, surtout lorsqu’elles mettent en scène des figurant·e·s très semblables au public, pourrait avoir un impact sur la vie personnelle des téléspectateur·rice·s.
La télé-réalité au quotidien
La télé-réalité, par le reflet qu’elle dépeint de la société, exacerbe notre tendance à l’auto-représentation, c’est-à-dire la volonté de se donner en spectacle. Ce phénomène, observable à l’échelle des réseaux sociaux comme BeReal, une application qui incite ses utilisateur·rice·s à prendre en photo un moment de leur quotidien dans une limite de temps précise, devient en quelque sorte une autre forme de télé-réalité. Dans ce contexte, la fonctionnalité de devoir publier une photo dans un certain laps de temps est déviée. Les utilisateur·rice·s ont l’option de prendre leur BeReal au moment désiré. La frontière entre réalité et télé-réalité s’amincit à mesure que chacun·e a la possibilité de devenir le·a réalisateur·rice de sa propre réalité.
